自古人类都有对神对信仰，最早的艺术品也都出现在神的殿堂里，表现神圣美好的境界。文艺复兴时代的意大利也不例外，只是在人文主义的思潮下，艺术家以更人性化的角度来表现神和阐释教义。也由于艺术的发展，除了教会大量以艺术来赞颂神、彰显神的存在和伟大之外，许多有能力的商人或富裕家族也都希望拥有表现神的宗教艺术品；特别是表现圣洁、慈爱与天真的《圣母子》更是历久不衰的热门题材。
拉斐尔所画的圣母子恬静优美，充满圣洁光辉，人见人爱，举凡有能力的人都希望能够拥有一张拉斐尔的圣母子，也因此他一生画了很多圣母子像。人们喜欢他巧妙的构图、优雅的气质与自然的完美结合。
拉斐尔享有“圣母画家”的美誉背后，其实有着辛苦而且实实在在的付出与努力。以下列举拉斐尔九件不同时期的圣母子画作，对比不同阶段的特点，并从中了解他逐渐成熟的艺术风格。
早期圣母像：（1504年 之前）
在来到佛罗伦斯之前，拉斐尔也承接过圣母子的委托绘画工作，这个时期的作品在题材上，拉斐尔用接近世俗化的描写方式处理宗教题材，将日常生活中母亲与幼儿温馨互动的形象应用到圣母与圣婴的主题，并加以理想化。 画面构图与造形上多是延续或参考其他前辈画家的作法。绘画技法上，则承袭老师佩鲁吉诺 （Perugino） 和谐宁静的艺术风格。例如：《圣母子与圣徒》（ Madonna with Child and Saints）， 《梭利圣母》（Solly Madonna c. 1502）和《康氏圣母》（The Conestabile Madonna）。
《圣母子与圣徒》也被称为《冯．罗普的圣母》（ the Von der Ropp Madonna） 。构图与画家 il Francia 的作法十分接近， 圣母与圣子位居中间，平均两侧是圣徒杰罗姆和圣方济 （Sts Jerome and Francis ）。 艺术风格则是承袭佩鲁吉诺。
早期拉斐尔采用佩鲁吉诺画风创作的圣母子，属于小规模虔诚的宗教题材 。大约自1502到1504年间， 他的这类作品呈现出一个有趣的共同特征 ，即画面中多以圣母作为的主体，她手里拿着经书正在阅读。 而怀中的圣婴很有慧根似的也将头转向圣经方向，仿佛知道自己的来历和使命。《梭利圣母》与《康式圣母》就是典型的例子。
《康氏圣母》（The Conestabile Madonna 17.5 x 18 cm in St. Petersburg ）是一件小尺寸的作品（也可能未完成），这画可能是拉斐尔到佛罗伦斯之前 ，在翁布里亚（Umbria）的最后一件作品。它的名字来自佩鲁贾Perugia家族的Conestabile，这幅画也是描绘的圣母抱着圣子在读着经书。在1881年，当原作被移制到画布上时发现，圣母手中原先是拿着石榴（象征耶稣未来的牺牲与受难），而不是书。
中期（佛罗伦斯时期的蜕变）：（1504-1508）
从1504到1508年，拉斐尔在佛罗伦斯期间画了很多的圣母子像。尽管是相同的主题，拉斐尔从不自满而画地自限， 他对自己的挑战与要求，每一张作品都不同。拉斐尔很懂得吸收他人的智慧与经验，在绘画技术上，他深入研究人文与绘画精神，吸取前辈大师的技法，加上自己实实在在的经验积累，逐步形成圆润柔和的绘画风格。
短短的四年，拉斐尔成功的掌握了佛罗伦斯地区画家们成熟的素描和结构能力，也承传了北欧油画的细腻质感；他从达文西那里学到了严谨的构图与造形，以及节奏与韵律，也从向米开兰基罗学习了人体结构与雄壮的气势。 拉斐尔不但临摹 、速写，从他的素描习作中可以看到揣摩与提炼的痕迹，最后应用成为自己的作品。拉斐尔的巨大付出没有白费，蜕变后作品，除了依然保有原来的宁静、协调及恬静的秩序感之外，更加让人感到庄严却温暖，宁静却不死板。例如《大公圣母》、《花园中的圣母》。
《大公圣母》可能是拉斐尔于1505年抵达佛罗伦之后不久绘制的。 由于受到达文西的影响，从画中可以看出拉斐尔已知道使用晕染技法（sfumato）。这幅画作本属于托斯卡纳大公斐迪南三世（Ferdinand III, Grand Duke of Tuscany），后人也就以《大公的圣母》称呼这件作品 。
《花园中的圣母》这件作品是由锡耶纳（Siena）贵族法布里奇奥（Fabrizio Sergardi）委托绘制。或许受到达文西的启发，画面中以金字塔结构描绘了圣母、圣子和年轻的施洗约翰。它是目前在巴黎卢浮宫博物馆。在这张作品中，可以看到拉斐尔不仅学会应用达文西明暗对比的绘画技法，也学会将圣母的姿态处理得更为轻松自然。
除了以上所说的两件作品之外，还有《安西底家的圣母》（ Ansidei Madonna ），与《天彼家的圣母》（ Tempi Madonna. ）等作品。这些作品都有一个共通特点：保留了传承自佩鲁吉诺的优美形式与均衡的人物配置，转变过后的人物动态，呈现更加自然真实。加上理性自然的空间处理，与主题的单纯化，让作品更加凝练。换句话说，严谨的构成，让作品的画面在原有温暖细腻的丰美之中，更加稳健成熟。
后期（罗马时期）：（1508年之后）
自从离开佛罗伦斯，到罗马之后，拉斐尔开始应接不暇地接受教宗所指派的工作，多是大尺寸的壁画与庞大的工程任务，单纯描绘圣母子的简单题材的作品相对变得很少。然而， 经过历练后的拉斐尔 ， 技术更加洗炼，面对圣母与圣婴的相同主题，相近的内涵，拉斐尔的艺术语汇与手法却更加丰富自然，且具有文学与意境的表现力。表现在人物的姿态，人体的结构、构图色彩的搭配，空间的营造，光线使用、气氛的掌握等等，都俨然自成一格。 例如1510年的《阿尔巴圣母》（Alba Madonna） 与1513年《椅子上的圣母》（ The Madonna della seggiola） 的两幅。
《阿尔巴圣母子》中同样描绘了圣母、圣婴与施洗约翰，三人的互动的中心却是约翰与圣子共同扶持的十字架，暗示两人义无反顾地选择了将来为人牺牲的命运；圣母的视线也随着两个孩子望向十字架。三个人的群组结构被安置在圆形的画面设计中，圣母伸出的膀臂与斗篷平衡着整个画面。风光明媚的背景呈现的则是典型的意大利乡村景致，整体色彩纯净而鲜丽，是拉斐尔的绘画境界达到成熟圆满的表征。这件画作是保罗．纠维欧（Paolo Giovio）为诺塞拉帕加尼（Nocera dei Pagani）区的Olivetani教会委托画家制作的。由于这幅画在18世纪属于西班牙阿尔巴众议院 ，因此被后人命名为《阿尔巴的圣母》。
《椅子上的圣母》（The Madonna della seggiola or Madonna della sedia）是拉斐尔在1513年至1514年间绘制的，目前收藏在佛罗伦萨的皮蒂宫（Palazzo Pitti ）。画中描述甜美清纯的圣母拥抱着可爱的圣子，小施洗约翰在一旁虔诚地仰望。
这件拉斐尔在罗马创作的作品，不同于早期在佛罗伦斯的画风，相同的圣母主题却不再刻意追求严谨的几何与直线造形。相反的，拉斐尔受到画家提香（Titian）与德尔皮翁博（Sebastiano del Piombo）的影响，绘画中开始运用温暖的色彩。
结语：
提到圣母，人们立刻联想到的并非中世纪严肃刻板的脸孔，而是拉斐尔画笔下的一系列的美丽形象，有的散发慈祥的母性光辉，有的具备典雅的高贵气质，也有的如同少女般纯真甜美可爱。拉斐尔对女性美的深刻研究，确实有他独到之处。难怪欧洲人喜欢赞美女士“像拉斐尔的圣母般的美丽”。尽管时代不同，但是许多人都熟知并热爱拉斐尔式圣母的纯洁、温柔，这也是最高雅的女性美典范。拉斐尔曾写信给朋友提到：‘为了描写美人，务必看过很多美女。然而由于美女太少，我便采用浮现于心中的理想形象。’（注）由此可知，拉斐尔圣母像之美是理想中的完美形象。
拉斐尔的艺术建构在和谐庄重的古典美学基础之上， 同时结合了人文主义的时代精神。他藉单纯的主题表现人性中母子深厚的情感，通过亲切美好的人物形象传达圣母子的神圣内涵。 在贴近人们生活经验的同时，拉斐尔的圣母子画像不知不觉地延伸到人们内心，印象深刻。有人推崇拉斐尔是文艺复兴绘画的集大成者，不仅将文艺复兴的油画成就推到高峰，他的圣母子画像作品也成为后世西方绘画的经典。@*#
（注：1515 年拉斐尔写信给人文主义者卡斯提尼奥尼的书信的一部分）
责任编辑：李梅
