2008 《玉山行旅》《宁静的夜》双主题水彩展

洪东标《创作的理念与实践》(二)

2008年11月16日国父纪念馆演讲内容摘录
洪东标
font print 人气: 30
【字号】    
   标签: tags:

我是个土生土长的艺术创作者我在这里出生、在这里长大,在这里受教育;没有出国去留学,在台湾念大学念研究所,我就在这地方创作,我的创作都取材自这地方的景象,我把对这块土地的热爱转化成绘画的动力,透过绘画表达我对这块土地的热爱。同时我一直坚持具象写实的风格,用传统的媒材—水彩来创作。今天在这里有85张水彩,没有所谓现代最前卫的媒材,装置啊等。

我画画的时候,希望作品提供观赏者非常轻松愉悦的环境。所以我始终认为,艺术创作是很辛苦的,因为画家要仔细的思考,用心的创作,在作品上经营表现想表现的内容,物象结构、立体感,甚至做出整体的气氛,营造怎样的气势…画家要有创作经验累积出的创作涵养去表现,这样的画让欣赏者非常轻松愉悦,看画时一目了然,可以慢慢品味。这样艺术才可以跟群众结合在一起,而不是象牙塔;也不是很高深的学问,不需要经过高深的文字解说才能够理解,这是我一直很坚持的看法。

我在求学过程中碰到过李石樵,陈慧坤,李梅树几位大师,这些台湾前辈到70几岁还在教学。我在大三的时候李石樵曾经讲,现代艺术太强调个人感受,涂啊刷啊,很爽快,结果看画的人都看不懂。我们尊重现代艺术,但是不能忽略了传统艺术这块领域。我认为艺术的价值在于提升人类生活的品质,这是我非常坚持的。艺术不是个人不满情绪的发泄,对世俗批判的嘶吼,无病呻吟;这是我对当代艺术家提出的一种看法,希望他们能认清这个事实。艺术要对人类有所贡献,要提升人类的生活品质。绪上的不满,发泄嘶吼,用鞭刑、暴力,都不是人类之福。许多前卫艺术家他们都是以反传统为目的,爽了自己苦了别人。这难以理解的艺术离民众愈来愈远,这绝不是艺术的本意,我们应该是让艺术可以走入群众,群众可以走入艺术,这样艺术存在的价值就会更高。

接下来我把我30年创作的作品跟各位分享一下。

这是我在1984年一幅写实绘画的作品,当时台湾绘画界发生一件不幸的事情﹕一艘船带着满船的艺术品巡回展览,到澎湖到马公港那天晚上,爆炸起火,沉下去了。当年全省美展所有作品都在船上,包括这一件作品,是那年全省美展水彩的第一名。作品被炸了,我非常心疼。现在只能从画册里面翻拍出来给各位欣赏。这是我写实绘画时期的作品,画的是现在二二八纪念公园前面那个台湾博物馆的大厅,外面是罗马式的建筑,内部是巴洛克式的建筑。那个列柱非常豪华非常漂亮。我曾经在为了画这一张画,在那边留连徘徊好久。那个警卫都觉得我这个人很奇怪,还来问我在干什么,他以为我要偷什么艺术品什么的。其实我一直在观察那个光从窗户里面投射进来所形成的明暗,在圆形的柱子上,在方形的柱子上的明暗,层次跟变化,我看了好久、去了好多次,看了好多天,回家后再进行这张作品。


《台湾博物馆》

后来我把创作的方式慢慢朝向分割表现形式来走。那分割表现形式基本上它有一个理论发展的过程,我借助一下立体派跟未来主义的手法,但是又比较接近印象主义的光的表现。我们先解读什么叫做分割。在整美术史分割有两个画派是运用的最多,第一个是立体主义,第二个就是杜象所谓的未来主义。立体主义惯用的手法是对物象的描写只选择其中的几个特征保留,其他把它简化,运用的线条不是直线就是弧线,把它分解,所以一个花瓶可能变成这个样子。未来主义要强调的是一个时间过程跟速度,所以花瓶在他们的笔下可能是一个移动的重复影像,他们也打破了以前绘画所强调的静态的概念,认为物象是可以动态的,所以未来主义的动态变成有重复的影像。

我比较强调的是光影的位移,我会从光线的投射跟反射,不同的光源投射物象所形成的明暗,重复的运用,所以有A光线、B的光线然后反射出去的,然后从光源在上面,有不同光源所形成的投影,在光线在移动的时候,比如说早上十点到下午两点太阳移动了,那移动了以后,那个光线在物象上面会形成明暗的层次跟变化,那这些都是我想要捕捉的。同时也抓到了在造型的特征,在不同角度里面看不同的物体,找到它的特征的局部来组合。


《台北市立美术馆》

我的分割表现形式的作品在此列举几张,这是台北美术馆。台北市立美术馆,有一些阳光交错的时候,我们常常看到只是一个时间,如果你能够从早上八点待到十点,两个小时你看到那个光影的移动,你就会发现它其实是有很多变化的,在那个变化的过程中你可以把它做成纪录。只是我们眼睛只能看到一个影像,它改变了就改变了,没有办法同时纪录,可是脑海的记忆力可以做到。


《圣多林岛》


《罗马万神殿》


《埃及清真寺》

早期我为了要表现这样一个光影的趣味,层次的变化跟造型的分割,所以我画了相当多的建筑物的题材。如《罗马的万神殿》,左边是爱琴海的那个圣多林岛的建筑物,右边是我在埃及开罗看到的一个回教清真寺,那是坐车经过的时候看到的一个影像。我把这些图像,经过我自己的光影层次的分析来表现,都是属于我大部分都是十多年前的作品,


《许愿池》


《向女神致敬》

到了这一张罗马这个许愿池里的雕像,我就已经开始在转变了,之前都是建筑物,教堂、纪念馆等等。大家认为我为了要表现那个光影,只会画建筑物。我当然不能承认,于是开始在画具有弧线动态的雕像,从那些比较几何形体的,改变到具有比较多变化的这种造型,所以我从雕像开始入手,因为我要探讨分割表现形式转换到人物的时候会怎么样。直线的分割很容易表现建筑物那种生硬的东西;在《向女神致敬》中,我就加上一些弧线的变化的分割,再去表现。(待续)

(http://www.dajiyuan.com)

如果您有新闻线索或资料给大纪元,请进入安全投稿爆料平台。
related article
  • 洋洋洒洒数百件,件件精彩,看得人是目瞪口呆,而每一件作品都是在野外现场写生完成所花的时间、精力实在无法估算,对于一位坚持以写生方式作画的画家而言,如此大量的作品如无过人的毅力、体力,实在无法作到。
  • 中华亚太水彩艺术协会就是这样一个以认同艺术必须关怀社会的绘画团体,成立至今多次的以主题性的创作作为激发社会认同和思考,来为人类创造更好的生活品质为目标,以期发挥艺术的社会教育功能。
    台湾的森林”展出以四大主轴来呈现,一、森林与生态,呈现森林蕴育的珍稀动物,希望唤起国民理解环境与生命的关联,而更重视生态保育;二、森林与人类,展现森林为提供国民良好休憩环境的功能,;三、森林与保安,展现森林肩负土壤保护,涵养水源的重大责任和贡献;四、森林之美,以透过艺术家的眼睛和创作呈现森林美好的情境,陶冶国民性情营造祥和社会等。
  • 扬‧范‧海瑟姆(Jan van Huysum)是位出了名的神秘隐居型艺术家(1682─1749年),也是公认18世纪最杰出的荷兰静物花卉画家。他的作品因想像力丰富、具奢华感、色彩饱满、纹理细致,以及高度细致的写实而倍受尊崇。这些成就的关键在于扬‧范‧海瑟姆谨慎且不怕麻烦地在画布上一层又一层地涂上薄釉彩的技巧。尽管许多人试图模仿,但同时代的画家都没有办法做到。
  • 小汉斯‧霍尔班生于德国巴伐利亚州的奥格斯堡市(Augsburg),属于文艺复兴时期欧洲北方的画家与版画家。他被公认为十六世纪时期最伟大的人物肖像画家之一,除了肖像画之外,他的作品还包含宗教画、警世内容的版画等等。特别是他警世意涵的木刻版画用于人文思想著作的插画,在传播新教思潮的时代里,起到了有力的作用。
  • 文徵明以“白描法”钩出娉婷玉立的莲花,用极婉约匀称的细线来钩勒。为了显现花瓣的精气有神,画瓣尖,下笔时先以书法中的“顿笔”为之,再提笔上来,一上来就见真章了。我们看到文徵明的花瓣线条是那么细致温和,好像随手不经意地就画出来似的,柔中带刚,刚中有柔。显得韵味无穷。
  • 南梁 张僧繇《雪山红树图》(台北故宫博物院提供)
    光凸凸的山,除了轮廓线以外,不添加任何线条也就是没画皴法。 这幅画怎么和常见的中国山水画迥然不同呢?
  • 来自比利时的法兰德斯风格画家安东尼‧范‧戴克(Anthony van Dyck,公元1599年–1641年)是一名臻求完美的肖像画家。他最著名的作品是替英国国王查理一世所绘的肖像画,优雅地呈现了查理一世和他的宫廷样貌。范‧戴克也是一位色彩大师,他善于运用色彩和大胆的笔触来表达光线、物体的移动和布料质地。这项特长也让他得以在作品中描绘出高度精准却仍具有绘画特点的蕾丝质地。蕾丝这种非常精致又复杂的布料是16至17世纪时富有的艺术赞助人流行配戴的服饰配件。
  • 华丽夸张的定型角色(stock characters)、简单的情节、即兴对白和户外表演,是即兴喜剧(Commedia dell’Arte,又译艺术喜剧)的核心特征。其幽默剧情常围绕着年轻恋人的种种考验。演员们不受台词限制,可以根据观众的反应调整表演。这些喜剧常含有对时政的讽喻和接地气的幽默,可以巧妙避开查禁。这种意大利民间戏剧形式也成了18世纪洛可可(Rococo)艺术运动的理想题材。
  • 冬天多少让我们的生活变得沉闷些,有些人觉得天空乌云密布缺少阳光令人提不起劲来。但如果我们仔细观察,就算在最昏暗的日子里也有色彩。最近我坐在一家咖啡馆里望向天空,当天刮风下雨天色昏暗,天空不再出现彩虹,反倒像是大理石般带点细微的灰色、蓝色甚至紫色。
评论