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许多优秀的作品往往是高质量的体现。它们都有一个特点,那就是里面的人物、构图设计都经过了反复的推敲,使画面中的每个个体单位都发挥其意义和作用。假设画面上存在一个没有经过深思熟虑、对画面没有很高价值的人或物,那么作者在调整构图时一定会将其删掉。也就是说,画面上的每个个体都必须起到很大的作用,就像写诗一样,没有一句是废话。画面上每一件东西都不能随便存在,都必须有它存在的价值和意义。
美术专论与专访

这是德国画家阿尔布莱希特·丢勒(Albrecht Durer)于1500年所作的自画像。严谨细腻的多层罩染技法将几乎所有的细节都刻画入微,连头发都丝缕可数。造成这种真实感的一个重要因素就在于作者对光、影、色以及转折处细腻的过渡处理。甚至于每一小缕头发、胡须都仔细地由高光部分渐渐过渡到平光的亮部,再细腻地过渡到测光的灰调面,逐渐穿过明暗交界限达到反光部分直至投影。

在绘画中,对于每一个环节的处理上尽量保持一定的简单方便相对来讲是很重要的。因为在每一步骤中的目的单一一点儿就容易专心致志以达到成功。比如说在白纸上画一个什么东西,如果什么辅助线、大体形状、整体计划都没有,一上来在一遍之内就要求全因素全部到位那就太难了。

即使一幅不大的多层罩染技法油画也需要数倍于直接技法的时间来完成,这就是为何古代大师们往往花费数月甚至数年的时间才能完成一幅画的原因之一。

在意大利画家卡拉瓦乔(公元1571—1610年)之后的很多画家都爱在几乎是黑色的深色底子上提白,导致画家们都不得不被人归为“暗色画派大师”。同时,很多材料、颜色上的原因也致使这些作品在历史上一天比一天更黑,油画变黑得很厉害。

针对已有相当的基本功的画家而言,在创作过程中的种种技法应该自由、灵巧地运用,而不应被已形成的技法框框阻碍住自我的主念。因为在表现美好光明的道路上,技法是为真正的艺术而创造的,而不应该以技法为主从而阻碍艺术家对艺术的表达。

文艺复兴绘画中出现的Cangiante(换色法)、Chiaroscuro(明暗对照法)、Sfumato(晕涂法)和Unione(统合法)这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传,许多艺术巨匠都曾经出神入化地运用它们创造出辉煌而美丽的艺术珍品。

在宫殿里,对于建筑物的装饰,或对于天顶、墙上绘画的装饰,很有力地说明了这一点。“好马配好鞍”是很有道理的说法。好的装饰其实也体现了对作者艺术精神与艺术理念的尊重。

事实上,对于具有立体感和空间感的全因素色彩作品,在起稿时的工作做得再细致,也只不过是相对而言的大形,不同的细致程度其实是不同的艺术家因其自身特点对“大形”这一概念的认识和理解的不同体现而已。

史学界一般则习惯于把十四到十六世纪间不同于中世纪的一种更为关注人自身理念的思想风貌称为历史上的“人文主义”,可以看作是涵盖于文艺复兴期间的一种思潮。

伦勃朗藉由亲眼所见捕捉人性,让我们看到了自己。当看到我们自己的好与坏时,我们有了成长的空间。根本上来说,伦勃朗的作品,无论是藉由画中的人物或大师本人都可以成为今天的我们内心成长的媒介。

西方学术界也一直有不少著名历史学家、哲学家认为古希腊的哲学在当时并非是今天人们认识到的学问,而直接就是一种精神的修炼(Exercice spirituel),并将其与释迦牟尼佛和老子传出的修炼法门进行类比。

历史的演变犹如天体运行、星球运转,地球的自转和公转也确实体现出了不同于其它星球的时间概念,而历史恰好就是在这特定的时间中一步步演绎着,其中也包括了文艺复兴前后这一重要戏目。

为了解决画中人物在从下面仰视时所应呈现的比例这一难题,米开朗基罗将壁画上半部分的人物画得大些,下半部的小一些,以适应自下而上的观赏效果。

针对当时社会吃喝风气严重的时弊,以描绘吹号为象征的手法隐喻了宗教中所说的“最后审判的号角已吹响”,呼吁人们重拾谦虚谨慎、远离贪欲、敬天奉神的传统美德。

什么叫艺术?不同的理解就会产生不同的艺术实践和品评。简单比喻:蛆蝇在粪土中窜索玩味无穷;龟兔仅在平地上比快慢;雄鹰以搏击长空为快;蛟龙以蹈海与穷变为能;神佛以眷顾苍生万物而乐此不疲。

这似乎是一个“创意”当道的时代。经常听到现在的美术老师必须着重创意教学,为了“引导”孩子们“有创意”,想方设法制作精美的教材,只要孩子做出别人没做过的,一般不管美不美,都要先来个掌声鼓励,赞美一下:“你很不错喔,还会想到这样做!”孩子回家做美劳作业,也强调要跟人家不一样,以此作为评判好与不好的标准。这让我想到以前读书时曾遇到一位古人,他也不想跟别人一样,而且还不想屈居第二,他就是开创清代“没(音同“墨”)骨花鸟”先声,并且影响后世深远直至今日的重要画家——恽(音同“运”)寿平。

尤其是色彩作品,作者在作画的时候就对色彩进行了严谨的考虑,并且反复修改颜色以达到最佳效果。在展览时,如果以人造的冷色或暖色灯光来作为展出时打到画面上的光线,就会在客观上起到一种改变色彩作品冷暖性的作用。

一幅画中得有深色,但在大多数情况下,这种深色是以衬托光明为存在意义的。艺术家是表达心灵光明的美丽使者,而这种光明是神所赐予的。

美术作品中的光感是使人对美产生正面感受的不可或缺的因素。人类对光明的追求其实也是源自于人的先天本性。光明在各族人类文化中都与善和美紧密联系着。因此,不论何种建筑艺术,宫殿、教堂、居家、商店、历史建筑等等等等,都不是用来表现黑暗,而是为了讴歌光明的,这是一个基本原理。

东方文化则注重内涵,艺术上强调“写意”,讲究“神似”而不十分注重“形似”,事实上这种东方艺术也要求达到真实,只不过是从另一面体现出“意”和“神”的真切。总之,无论东方或西方的正统艺术都极力求“真”,不同层面的侧重点体现了不同风格的美。

致力恢复传统文化的新唐人电视台,自2008年举办首届“全世界华人人物写实油画大赛”,宗旨即是找回纯真、纯善、纯美的正统艺术价值,已成为展现写实艺术、回归传统的辉煌平台。

圣家族题材的绘画传统上多描绘耶稣的神性,而达芬奇却表现人间家庭的天伦之情,并以极其细致精微的笔法来歌颂神的不朽,使画面洋溢着不可言喻的神圣光辉。

评量一幅人物画时,观众首先看到的是,画面的主体是一个人,还是表现二个人的互动,是三人结构,抑或多人的大场景。下面就让我们以人物多少为序,来欣赏艺术史上几幅写实油画杰作。

在巴洛克雕塑领域,作为艺术天才的贝尼尼无疑是最具代表性的一位,他也被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”、“雕塑界的莎士比亚” 。诚如意大利巴洛克艺术专家霍华德·希巴德所言,“在整个17世纪,没有一位雕塑家或建筑师可以和贝尼尼比肩。”

普桑(Nikola Pussin,1594 –1665)曾在路易十三时代受邀回到法国参与宫殿和礼拜堂的绘画与装饰,但因不能适应宫廷的华丽风格和其他画家的抵制,短暂停留后又回到罗马。然而回程多了一位年轻画家坚持随行,这位画家就是日后被太阳王路易十四所重用的勒布杭。

伴随路易十四一生的最大艺术事业,则非凡尔赛宫莫属。这座集结王权意识与当代的艺术精英共同打造的华丽花园宫殿,立即成为欧洲其它王室竞相效仿的王宫范本。

艺术与道德的关系,还可以从几个方面来看: • 创作者本人的人品如何; • 艺术的题材是否合宜; • 艺术的技法体现的美德; • 什么样艺术能使人升华、净化,道德回升。

从宇宙规律看,任何事物顺应宇宙、自然的法则,才能长久。所谓顺天者昌,逆天者亡。艺术作为宇宙中人类文化的产物,也应该符合自然,符合人性(包括生理的和心理的感受),才能长久,跨越时空感动不同时代的人。古代的美学原则(均衡、和谐、比例、节奏……)都是符合自然规律的。

华夏丹青艺术发源于中国古老的半神文化,其艺术风格与精神,展现了绘画深奥的内涵,及各朝代社会文化特质。 五代、宋前期绘画延续、衍生自唐朝,技法、观念趋于完备;山林文学与自然山川的体验,深深影响了中国山水画。 元代神灵劝诫题材变少,兴盛的人画家画作中,仍然有着一种高洁、脱俗。至明末徐渭,不满世俗、怀才不遇的悲愤心情,以夸张手法所作之作品,在绘画史上留下了嘲弄的一笔。

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